EL CINE DE RENTON

MANSA RAJ...............

2006-10-13T09:16:00.000-07:00

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www.mansaraja.blogspot.com

PARA LA REBECA

2006-09-30T15:41:00.001-07:00

Y QUE...!! ME GUSTÓ LA CHICA DE AL LADO!!

2006-05-04T11:15:00.001-07:00

LA VECINA DE AL LADO es una comedia sobre dos mundos opuestos, con puntos de vista y procedencias antagónicos. Se trata de un chico con un futuro y de una chica con un pasado; de un chico que está a punto de perder su inocencia y de una chica que está intentando recuperar la suya. La película se hace la siguiente pregunta: ¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar por la persona a la que amas? Si quieres a la chica de la puerta de al lado, más te vale estar dispuesto a arriesgarte y vivir una experiencia para la que nunca te habías preparado.

El director Luke Greenfield quería aportar una explosiva mezcla de humor, peligro y amor a LA VECINA DE AL LADO. La historia (un inocente joven enamorado de su hermosa y aparentemente inocente vecina va a descubrir que en tiempos fue una estrella del porno) se podía haber convertido con gran facilidad en una comedia adolescente de sal gorda. Pero Greenfield pretendía seguir un camino distinto. “Me gusta explorar el lado salvaje de la vida, y concebía la película como si versara sobre un chico normal que se ve inmerso en una situación peligrosa y descontrolada”, dice. “Estaba buscando una mezcla de realismo y volatilidad. Por supuesto, la película tenía que ser divertida, pero al mismo tiempo tenía que ser sincera, inquieta y dar un poco de miedo”. Greenfield quería dibujar una comedia con humor de la vida real, derivado de la vulnerabilidad de los personajes y de los desafíos a los que éstos habían de hacer frente. El personaje protagonista, Matthew, es un estudiante de último año de instituto que tiene sus miras puestas en la carrera política. Ahora, por primera vez en su vida, se encuentra fuera de lugar cuando se enamora de Danielle.

El proyecto dio sus primeros pasos hace cuatro años cuando el equipo de guionistas formado por Brent Goldberg y David T. Wagner creó un concepto y luego un guión sobre un estudiante de instituto que sale con una estrella del cine para adultos. Los productores Charles Gordon, Harry Gittes y Marc Sternberg aceptaron la idea enseguida y ficharon a Luke Greenfield para dirigir el filme después de que Gordon y Sternberg vieran un corto cómico suyo de diez minutos de duración titulado “The right hook”. “Veo miles de cortometrajes cada año”, dice Gordon, “pero ninguno tan bueno como la película de Luke”.

Greenfield comenzó a trabajar hablando de lo que él llama “un gran concepto” y haciéndolo suyo, añadiéndole realismo, peligro y sorpresas. Mientras se seguía desarrollando LA VECINA DE AL LADO, Adam Sandler contrató a Greenfield para dirigir la comedia de Rob Schneider “Estoy hecho un animal”, que la compañía de Sandler estaba produciendo. “Llamaba a Chuck Gordon a todas horas, suplicándole que por favor me esperara”, reconoce Greenfield. “No podía dejar de pensar en el proyecto. En cuanto terminé la producción de ‘Estoy hecho un animal’, me reuní con Chuck, para ingeniárnoslas a ver cómo íbamos a hacer LA VECINA DE AL LADO”. Greenfield y los productores contaron también con el guionista Stuart Blumberg, el cual, bajo la supervisión de Greenfield, infundió a la historia una sensibilidad más realista, dando más cuerpo a algunos personajes y añadiendo otros nuevos. El proyecto siguió adelante hasta que, casi cuatro años después de comenzar con él, la versión definitiva del guión vio la luz verde.

La actriz Elisha Cuthbert, que actúa en la exitosa serie de Fox, “24,” fue una de las personas que participaron en la lectura dialogada previa del guión; aun cuando todavía no se le había ofrecido el papel de Danielle, la hermosa y misteriosa “la vecina de al lado” que está tratando de reinventar su vida. Charles Gordon, un fan de “24”, dice que quiso contar con Cuthbert desde el primer día. Greenfield no estaba familiarizado con la serie, pero la lectura previa de Cuthbert y su esmero le convencieron de que ella era Danielle. “Elisha fue una gran profesional y tuvo una enorme contribución cuando se hizo la lectura del guión”, dice. “Aportó mucho al personaje y nos hizo creer de verdad que Danielle es la chica a la que todos nos gustaría conocer algún día. La chica que está siempre un paso por delante de ti, que te va a convencer para que hagas cosas que nunca habías pensado hacer y por la que debes estar preparado para dar la vida”.

Danielle es totalmente opuesta a Matthew, el cual es tan inocente como ella mundana. Sorprendentemente, cada uno está esforzándose en tratar de ser más como el otro. Luke Greenfield señala: “Danielle es fuerte por fuera pero en su interior es una muchacha que sólo pretende que la vean como una chica normal. Matthew se muere por romper con todo y vivir nuevas experiencias y aventuras. Pero consigue más de lo que esperaba cuando conoce a Danielle”.

Añadiendo más leña al fuego en la relación de Matthew con Danielle nos encontramos con Kelly, su antiguo “productor”, quien no va a desistir en su empeño con tal de que su actriz favorita siga en el mundo del porno. Kelly es todo lo que Matthew no es: frío, guapo y misterioso. Reta a Matthew con una pregunta que resume un tema clave: “¿Vale realmente la pena?” ¿Está Matthew dispuesto a arriesgar todo por Danielle?

Tal y como Greenfield y el coguionista Stuart Blumberg han concebido a Kelly, éste está lejos del típico tipo malo. “Es un pícaro encantador”, dice Blumberg. Greenfield añade: “Kelly es un tipo diferente de villano; de alguna manera es el hermano mayor que Matthew nunca tuvo, porque le acoge bajo su ala… al menos hasta que Matthew se obstina en llevarse a Danielle”.

Greenfield reconoce a Timothy Olyphant el mérito de mantener al personaje pegado a la realidad. Olyphant, por su parte, ve a Kelly como el mejor amigo de Matthew y quizás su peor pesadilla. “En la vida a quien más has de temer como enemigo es a tus mejores amigos porque te conocen y saben cuáles son tus debilidades”.

El rival profesional de Kelly es el productor de cine para adultos Hugo Posh quien, como Kelly, va a tener un papel destacado en la vida de Matthew y en el trabajo de Danielle. “Hugo es muy diferente de Kelly en muchos sentidos”, dice el veterano actor James Remar, que recientemente ha actuado en “Sexo en Nueva York” y que interpreta el papel. “Por un lado, el éxito de Hugo es tremendo; es un triunfador, con una gran mansión, un montón de coches… mientras Kelly es todavía alguien de poca monta”.

Los mejores amigos de Matthew son Eli, un aspirante a realizador cinematográfico interpretado por Chris Marquette, y Klitz, que es incluso más estirado que Matthew, al que encarna Paul Dano. La unión de los tres amigos es tan fuerte que se llaman a sí mismos el “trípode”: si uno falla, los otros dos se vienen abajo también. Por lo tanto, Klitz y Eli van a hacer todo lo que está en sus manos para ayudar a Matthew en su búsqueda en pos de Danielle.

La música de LA VECINA DE AL LADO también juega un papel clave. “Desde el principio, Luke tenía la película y la banda sonora en su cabeza”, dice Charles Gordon. Las 37 canciones elegidas personalmente por Greenfield y por los supervisores musicales Peter Afterman y Chris Douridas, así como la música compuesta por el compositor Paul Haslinger, crean inesperados estados de ánimo y emociones a lo largo de toda la película. Los artistas que aparecen en la banda sonora representan diversas épocas musicales e incluyen a The Who, David Gray, Donovan, David Bowie y The Verve. “El noventa por ciento de las canciones que quería salen en la banda sonora, fue un milagro”, dice Greenfield, quien metió en el guión gran parte de su lista de canciones deseadas. “Y si la canción no aparecía mencionada en el guión, terminaba haciéndola sonar en el plató, alimentando de forma constante a Emile y a Elisha con las canciones que yo había imaginado para la escena en concreto que estuvieran ensayando”.

También fundamental para lograr el humor y la emoción que emanan de la película fue la labor del diseñador de producción Stephen Lineweaver, entre cuyos trabajos en el cine se puede destacar “Jerry Maguire”. Aunque la ciudad natal de Matthew nunca se menciona expresamente ni se identifica – “quería que pasara en cualquier parte de los Estados Unidos”, dice Greenfield – el director reconoce que su ciudad natal, Westport, en Connecticut fue una gran fuente de inspiración para la apariencia visual de la película. LA VECINA DE AL LADO se rodó en su integridad en Southern California, aunque sintamos que estemos en el centro de un barrio residencial de la costa este. “No puedes encontrar esa clase de sentimiento y comunidad residencial en el condado de Los Angeles, aunque de un modo u otro Stephen lo logró”, dice Greenfield. “Él supo captar verdaderamente la esencia de Westport”.

Cuando Matthew se enamora de Danielle, el mundo del cine para adultos invade su segura existencia de clase media alta. Más tarde, él, Klitz y Eli acuden a la Convención de Cine Adulto de Las Vegas. Ahí también, Lineweaver logró un milagro en el diseño, creando en su integridad la convención en un estudio de sonido de Los Angeles. “Ese plató fue quizás la tarea más ardua de Stephen”, afirma Greenfield. El director también reconoce la labor del director de fotografía Jamie Anderson, ASC, habiendo hecho una aportación de valor incalculable al aspecto visual de la película.

Después de que Lineweaver, Anderson y el resto del equipo de realización y del reparto hubieran terminado la fotografía principal, comenzó el trabajo de post-producción, incluyendo la gran tarea de seleccionar las 37 canciones para la banda sonora. Cuando la película empezó a coger forma, el proceso de “visionados de prueba” puso en evidencia que el objetivo de hacer una película inteligente y con tensión se había conseguido plenamente. “Sabíamos que LA VECINA DE AL LADO iba a gustar al género masculino”, dices Charles Gordon. “Después de todo, es una especie de fantasía que tienen todos los hombres. Pero nos puso muy contentos de que la película también funcionara para las chicas jóvenes y las mujeres”.

Una Excepcion en mi Blog

2006-03-02T13:30:00.000-08:00

Necesitamos que THE POSTAL SERVICE venga a Chile , por muchas razones :

Porque me agrada las mañanas
Porque me agrada las tardes
Porque me agrada las noches
PoRQUE ES EL manso Grupete
Porque me acuerdo de la NataLiE pORTMAN con Sus Temas
Porque nunca traen grupos como esos

En Vez de traer A Marco Antonio Solis por treinteava vez , traigan a thepostal service , a belle and sebastian , a frou frou , traigan a squarepusher , a aphex twin

ANTES......

2006-02-19T12:22:00.000-08:00

Empiezo hablando de la primer parte... Antes de amanecer, se hizo hace 9 años, y mostraba una historia posible, entre dos personas de nacionalidades distintas con una edad similar, y que andaban viajando en el mismo tren. El, despues de algunos momentos de charla, la invitaba a ella a quedarse charlando esa noche en Viena... y ella decia que si. La película era toda esa noche.

Al final de la película, ellos se despedían y prometían encontrarse en 6 meses en el mismo lugar... y ahí terminaba. Obviamente la historia es muy sencilla... lo maravilloso son los diálogos y la química que había entre los protagonistas.
Y que pasa 9 años después??? Desde el vamos, hay que saber que pasó 6 meses después... y que pasó con esos personajes... De eso se ocupa la película. Pasan 9 años en la vida real de ellos... y esta secuela transcurre durante una hora y media en "tiempo real", pero esta vez en París...
No es una peli para los grandes públicos. Y creo que es fundamental, ver la primer parte de esta historia fascinante, pero se de personas que no la vieron e igual la disfrutaron.
Antes del atardecer, sigue con los diálogos brillantes, los cuales son más jugosos o más entretenidos, porque estas personas ya "vivieron" más. Hay momentos brillantes con geniales toques de humor, como puede tener una charla de grandes amigos... pequeñas pataditas políticas o sexuales por ejemplo.
Las actuaciones... SON LA PELICULA... es decir, toda la historia está sostenida todo el tiempo por dos personas charlando... Ethan está genial... las caras que pone y sus relatos... son notables...
creibles.....Julie... Julie... Julie... dificil es no enamorarse de este personaje... y si dudabas... escuchala cantar... que maravillosa es Julie Delpy.
Si no queda claro... debo decir que esta historia me fascinó.
Gracias por contar de esta manera una singular historia de amor.... gracias por este cine distinto...

EL TIEMPO DE TOMAR DECISIONES

2006-01-27T17:54:00.000-08:00

Andrew Largeman (Zach Braff) vuelve a su casa natal en Nueva Jersey después de 10 años de ausencia para el funeral de su madre. En este viaje y retroceso al lugar donde se formo , se reencuentra con toda la gente que conocia, y que por las cosas que imperan en la ciudad ...olvido.
Dentro de esos amigos se encuentra Mark (Peter Sarsgaard) un cava tumbas , que solo se dedica a fumar marihuana y a ser el "succiona costillas de su madre" y que tambien pretende hacerse rico coleccionando cartas que segun el , en algun tiempo valdran millones, quien en su primer de estadia en su antiguo pueblo lo lleva a una fiesta particular , en la mansion de otro de los amigos de Largeman en el pasado, Jesse, quien se ha hecho rico vendiendo un producto muy singular , un belcro que no hace ruido. Dentro de este viaje conoce a Samantha , una encantadora chica (muy bien lograda por Natalie Portman) quien le enseñara que los juegos de niños y la inocencia de reirse y de amar aun existe.
El actor Zach Braff de la serie Scrubs ha demostrado tener también buena madera de director con su trabajo en Garden State, su debut tras las cámaras. En su primera incursión en el campo de la realización cinematográfica, Braff ha alumbrado una de las últimas sensaciones del cine independiente norteamericano, encumbrada por la crítica y el jurado de festivales tan prestigiosos como el de Sundance. Para ambientar esta historia de un joven al que la muerte de su madre obliga a enfrentarse con su pasado, Braff ha realizado una excelente selección de temas que van del indie-rock de The Shins a la electrónica de Thievery Corporation o Zero 7's pasando por Nick Drake, Simon & Garfunkel, Coldplay y la estremecedora versión que Iron & Wine realiza del Such Great Heights de The Postal Service, indiscutiblemente uno de puntos álgidos en emoción de esta banda sonora.
Una pelicula que se suma a la coleccion de mis favoritas , la musica va representando cada momento que se vive , ojo con la actuacion de Peter Sarsgaard y Natalie Portman.

Un tema hermoso es el del final de la pelicula es el de Frou Frou , Let GO

Dulce Charlize,Salado Keanu

2006-01-06T07:29:00.000-08:00

El irlandés Pat O´Connor ha demostrado en parte de su filmografía, un profundo interés por explorar el universo femenino, desde sus contradicciones hasta sus amores incondicionales y su capacidad para modificar alos hombres que las rodean. Películas como “Círculo de Amigos” y “El Secreto de los Abbott” ( en la que reunió a figuras jóvenes como Billy Crudup, Jennifer Connelly, Liv Tyler y Joaquín Phoenix) indagan en los primeros amores, con su cuota de pasión y sufrimiento, romanticismo auténtico y alejamiento de cualquier clase de cinismo. En “Bailando entre Sueños” mostraba las relaciones entre hermanas en un relato coral que le posibilitaba a Meryl Streep practicar su acento irlandés.
El director vuelve a utilizar el melodrama en “Dulce Noviembre”, una historia sobre dos personajes aparentemente antagónicos y su descubrimiento del amor. Keanu Reeves interpreta a un exitoso profesional del mundo de la publicidad, un trabajador compulsivo obsesionado por los bienes materiales que ha olvidado el placer que provoca tener alguien en quien pensar. Por su parte Charlize Theron encarna a una chica vegetariana, protectora de los animales, un espíritu libre y despreocupado que a su vez, guarda un secreto( no demasiado difícil de anticipar por parte del espectador).
La película apuesta con éxito a una pareja joven y carismática, y contrapone acertadamente dos estilos de vida, para los integrantes de una generación que se encuentra en la búsqueda de su propia individualidad, más allá de los reconocimientos sociales.
Resulta efectivo haberle confiado el papel principal masculino a Keanu Reeves, un actor con indudable atractivo para el público femenino y que también le cae bien a los hombres a partir de sus papeles en películas de acción como “The Matrix”, “Máxima Velocidad” y “Punto de Quiebre , Constantine”. Lamentablemente, en esta oportunidad no logra transmitir en forma convincente la transformación sufrida por su personaje, al que no consigue dotar de la emotividad requerida. A su favor se da el gusto de cantar.
Mucho más cómoda en su papel aparece la sudafricana Charlize Theron, a la que vimos en sus trabajos en “La Traición”, “15 Minutos”, “Leyendas de Vida” y “Hombres de Honor”,"the italian job". La actriz aprovecha plenamente un personaje con un importante desarrollo dramático y establece un claro progreso en relación a otras intervenciones en las que cumplía roles de características secundarias para la trama principal. Aquí demuestra su química con Keanu ( ya habían sido pareja en “El Abogado del Diablo”) y refleja la ternura de alguien dispuesto a disfrutar cada instante, ya que no se puede dar el lujo de postergar su propia felicidad para un futuro. Además le permite a Theron incluir una nueva faceta, con mayores recursos, sin caer en el encasillamiento de los típicos roles de mujer fatal u objeto de deseo.
Los protagonistas cuentan con un sólido respaldo por parte de los actores de reparto: Jason Isaacs ( el villano de El Patriota) es el infaltable amigo gay de este tipo de propuestas, Frank Langella incorpora a otro sujeto desagradable a su trayectoria, Greg German ( conocido por su participación en la serie Ally Mc Beal) aporta el alivio cómico y Liam Aiken(Una serie de eventos Desafortunados) resulta querible como un niño solitario carente de figura paterna.
“Dulce Noviembre” es una muy libre remake de la película del mismo título realizada por Robert Ellis Miller, con Sandy Dennis y Anthony Newley en 1968. En la original, la acción transcurría en Nueva York, mientras que en esta nueva versión se eligió situarla en San Francisco.
Este fue sin duda , el despegue de Charlize Theron en su carrera como actriz , unos años despues obtiene diversos premios por su actuacion en Monster, de hecho la madura actuacion sostiene la pelicula que de por si es demasiado plana

La realidad de Winona

2005-12-18T13:30:00.000-08:00

A pesar de lo que reza el subtítulo, Reality Bites ("Generación X" en otras latitudes) es un film difícilmente encuadrable dentro de un único género. En él se conjugan tanto la comedia como el drama y la historia romántica. Sin embargo, como ocurre con todo conjunto heterogéneo, la totalidad termina trascendiendo la mera suma de sus partes.
La base argumental de la película gira en torno a los conflictos y expectativas de la así llamada 'Generation X', vale decir, aquellos jóvenes de clase media que en los '90 estaban promediando los 20 años. Los límites de esta categoría, indudablemente, son bastante más vastos y difusos que los aquí propuestos.
Inmersos en este estado de cosas, nos encontramos con tópicos tales como las dificultades de los graduados universitarios para conseguir un empleo conforme a sus estudios que, por cierto, no son los típicamente rentables (esto, a la postre, cristalizará en la dicotomía yuppie-slacker). También tienen cabida aquí temas como el SIDA y la homosexualidad. Toda esta amalgama de elementos estaba ya de algún modo presente en el predecesor film canadiense Love and Human Remains de Denys Arcand (1993).
Por supuesto, en Reality Bites también tiene lugar la constante crítica al materialismo e hiperconsumismo propios de la sociedad norteamericana, el ataque sin ambages contra el American way of life, etc. De esta manera, los jóvenes de la generación X, en general, no se resignan a cambiar su libertad por un empleo bien remunerado y prefieren tratar de encontrar el placer en los fugaces instantes vividos y no en los objetos de consumo masivo destinados a los "empleados de 80 horas por semana". Puede decirse que estas ideas contienen, in nuce, algunos de los puntos centrales de lo que más tarde sería American Beauty (1999). Ateniéndonos sólo a esta perspectiva, podemos considerar que la gran diferencia entre ambos films reside en que, mientras que en American Beauty el cuestionamiento parte de los mismos que de algún modo fueron los encargados de la preservación tácita del status quo (padeciendo, por tanto, el mundo que ellos mismos crearon), en Reality Bites la crítica es llevada a cabo por las víctimas "inocentes" del sistema: la joven generación X.
La película comienza y finaliza con un mensaje clave: la incapacidad de estos jóvenes tanto para desandar el camino transitado por sus padres como para darle un sentido a su propia existencia. Lo único que pueden dar como respuesta ante tales interrogantes es un lacónico I don't know.
Puede decirse que el film es pasible de ser entendido desde tres niveles de creciente complejidad.
En principio, si partimos del supuesto de que una autocrítica de la sociedad de consumo norteamericana es casi siempre recibida con cierta simpatía por ciertos sectores de las sociedad, la primera reacción que la película nos provoca es la de una complaciente aceptación. Con todo, esta primera impresión prevalece sólo en la medida en que nos atengamos a una lectura superficial y, acaso, ingenua.
En efecto, una mirada más atenta nos hace ostensible el constante recurso a los clichés a los que Hollywood nos tiene acostumbrados. Es así es como salen a relucir cosas tales como la caracterización estereotipada de los personajes (v. gr., un Michael Grates entrepreneur aunque algo naive y vulgar frente a un Troy Dyer homeless pero inteligente e ilustrado), una historia de amor de predictible desenlace y la antinomia consumismo-anticonsumismo resuelta en un consumismo atenuado, pero consumismo al fin: "Mirá Lainy, esto es todo lo que necesitamos: un par de cigarros, una taza de café y un poquito de conversación. Vos, yo y cinco mangos [You and me and five bucks]". Y como si esto resultara aun insuficiente, Troy Dyer, nuestro antihéroe, es (como no podía ser de otro modo) un carilindo músico de rock.
Stiller termina apelando, en última instancia, a una suerte de inversión de valores en la que el loser deviene winner y viceversa. Las categorías se trocan, pero la fórmula sigue siendo la misma.
No obstante, un análisis un tanto más aguzado nos muestra que el film, considerado como un todo, supera sus aparentes contradicciones internas revelándosenos como un epítome de la ironía (palabra que es deliberadamente enfatizada) posmoderna. Todo parece adquirir coherencia en la medida en que llevamos a cabo, como diría Eco, una "relectura irónica" del sistema interpretándolo en términos de una macrometáfora de los '90.
En cuanto emergentes de una sociedad masificada y consumista, los jóvenes X no ocultan el rechazo que les produce saberse tales, ni tampoco se preocupan por disimular lo mucho que abominan de la mediocridad de la que son parte.
En el deslucido escenario de un bar, se lo oye a Troy vociferar las estrofas de I'm Nuthin': "Soy una versión ultramoderna del hombre americano. No me siento bien, pero tampoco me siento mal. Porque yo, ya ves, no soy nada". Huelga todo intento de explicar el profundo sentimiento nihilista que brota de estas palabras. Ocurre que, cuando niño, Troy escuchó esta misma revelación de la boca de su propio padre quien, mostrándole un enorme caracol rosado, le dijo que la respuesta a todos los interrogantes residía en su interior: no hay ningún sentido, sólo un sordo vacío existencial.
Abandonada ya la lucha por la búsqueda de sentido en un Universo que no lo tiene, Troy se resigna a deleitarse con los pequeños placeres de la vida: "Es todo tan sólo una... una azarosa lotería de tragedia sin sentido y una serie de breves evasiones. Así que obtengo placer en los detalles."
De hecho, se trata simplemente de eso: de disfrutar esos reality bites, esos bocados de una realidad fragmentada que la videocámara de Lelaina, una y otra vez, se obstina en capturar.
Reality Bites(Generacion x)
Año 1994 Estados Unidos
Winona Ryder , Ethan Hawke , Ben Stiller , Janeane Gareolfano ,

Besando a nadie

2005-12-13T18:25:00.000-08:00

LA OTRA CARA DEL AMOR(Chasing Amy)
Estados Unidos, 1997
Dirigida por Kevin Smith, con Ben Affleck, Joey Lauren Adams, Jason Lee, Dwight Ewell, Jason Mewes.
Kevin Smith es uno de los más interesantes realizadores independientes del cine norteamericano. Su estupenda ópera prima, (Clerks, 1994), disponible en video–, ya daba cuenta de su rara habilidad para exprimir el jugo a situaciones cotidianas. Una notable mano para dirigir a los actores, conjugada con un sabio y generoso manejo de los tiempos, supo convertir, en aquel caso, a un rutinario maxikiosco en una suculenta caja de sorpresas emotivas. Buena parte de esos dones beneficia a La otra cara del amor, que completa la "trilogía de New Jersey" (ambientada en la ciudad natal del director e integrada también por Mallrats, su segundo film). La otra cara del amor gira en torno de un dibujante de comics que se enamora locamente de una colega lesbiana.
El ambiente de los historietistas, con sus fans, con su reunión anual, vibra con extraña intensidad. Y lo mismo ocurre con esos boliches en los que prolongan sus tertulias. Es que Smith es dueño de otra habilidad inusual: la de apropiarse de situaciones más o menos típicas, o arquetípicas, y proyectarlas hacia nuevos horizontes con la ayuda de los frutos más preciados de su imaginación. Así, el ritual de firmar autógrafos en una exposición de comics deriva en una desopilante discusión acerca del trabajo no calificado, y la serena exposición de un panelista negro en una virulenta y graciosísima reivindicación de principios artísticos, políticos y raciales. Numerosos íconos de la denominada "cultura popular" entran y salen de la película con más fluidez e inteligencia que las habituales. Oportunamente citados por los personajes, que los recuerdan (o maldicen, o comentan), desfilan la saga Star Wars, las historietas de Archie y Torombolo y un puñado de nombres y apellidos de la TV del Norte no del todo familiares por estas latitudes.
A diferencia de Clerks, que avanzaba al compás de un puñado de almas condenadas a "matar el tiempo", La otra cara... está atravesada por un conflicto bien palpable. Holden (el cotizadísimo Ben Affleck) cree hallar en Alyssa (Joey Lauren Adams) a la chica de sus sueños, aunque su condición de lesbiana, que en un principio ignora, le deparará unas cuantas pesadillas. Las etapas iniciales de la relación transcurren animadamente: primero serán amigos, con el lesbianismo de ella filtrándose en unas conversaciones que lo dejan mal parado a él (por prejuicioso y "adolescente"). Después serán amantes, fugazmente entreverados en un romance que, por obra y gracia de la orientación sexual de Alyssa, se perfila como una suerte de primer amor para los dos. Adams brilla en esos cruces como una criatura parlanchina, hiperkinética (es una suerte de Cameron Díaz imperfecta... más real) y Affleck demuestra que no sólo nació para poner el rostro en acartonadas superproducciones.
Finalmente vendrán las discusiones. El pasado de Alyssa, que además del lesbianismo incluye otras instituciones non sanctas, no deja de atormentar a Holden, cuya vida también se complica por los imprevistos celos de su socio y "concubino" Banky (Jason Lee). Claro está que la angustia del muchacho no deriva tanto de la condición de Alyssa como de su propia inseguridad. Una extensa alocución de su pareja, que estalla en llantos luego de una salida nocturna, se ocupará de confirmarlo malamente. Es decir: con la profusa verborrea que caracteriza a los "momentos fuertes" de los dramones hollywoodianos. La segunda recaída de la narración es un tanto más estructural. La provoca Holden cuando, con la excusa de exorcisar prejuicios, propone a Alyssa y Banky cierto experimento colectivo. El problema no es que se trate de una propuesta infantil o inconducente –y se trata– sino que no se compadece con el perfil de Holden, con su desarrollo previo. Por supuesto que el planteo impulsará la trama hacia adelante, pero al precio de dejar en el camino parte de la coherencia trabajosamente elaborada por el relato.
Es una muy buena pelicula , excelentes dialogos , una exquisita joey lauren adams , en fin , fanaticos de kevin smith , a verla , a verla de nuevo, y los que aun no la han visto , arriendenla.

El valor de la Vida

2005-12-01T11:49:00.000-08:00

My Life Without Me (2003)Director: Isabel CoixetPaís: Canada / España
Ann (Sarah Polley), es una joven de veintitrés años, que tiene dos hijas preciosas y un marido amoroso con el cual se casó a los diecisiete años y ha sido su único novio. Ellos viven en una humilde casa rodante detrás de la casa de su madre, quién se encuentra siempre enojada contra el mundo y cuyo padre de Ann se encuentra en prisión. Ann y su esposo, ambos de escasos recursos económicos se ven forzados a trabajar, sin embargo, tienen un hogar feliz, colorido y donde se respira amor. Cierto día Ann sufre de dolores que la obligan a ir al hospital, ahí recibe la noticia que tiene un tumor avanzado el cual no es posible erradicarle y le acorta su vida a tan sólo tres meses. Ann decide no decir nada a su familia y a partir de ese momento emprende acciones sobre lo que serán sus últimos días
Con esta premisa Isabel Coixet cuenta una deliciosa historia donde la protagonista se enfrenta a la muerte con el deseo de sentirse viva, de aprender a vivir, aun cuando se sabe que se va a morir. Encontrando la protagonista con su decisión momentos atesorables y tocando la vida de otros de una manera profunda en lugares tan inesperados y cotidianos. Es un cuento de esperanza y de creencia en el amor. En ella se nos muestra a través de diferentes personajes cómo nos rodeamos de cosas materiales y muchas veces insignificantes, mientras olvidamos de lo que es vivir.
La actuación de Sarah Polley en conjunto con la dirección de imágenes cautivan desde el principio, sus gestos, sus miradas, las pausas, las bellas imágenes y el silencio mismo hacen del espectador un cómplice silencioso, dispuesto a acompañar la historia en todo momento gracias al manejo de una cámara que se entromete en la vida de los personajes. La película es rica visualmente y tiene un ritmo lento, sin embargo, no es cansada, está dulcemente llena de emociones sin caer en el melodrama e invita a la reflexión sobre como decidimos vivir.
Es una película que definitivamente ha pasado a ser una de mis favoritas, acompañada de una agradable banda sonora y sutiles sorpresas como la actriz que encarna la madre de Ann. Película ampliamente recomendable y que extrañamente me recuerda a Dancer in the dark de Lars Von Trier.

La historia Perdida

2005-11-27T15:49:00.000-08:00

THE LOST BOYS
Director: Joel Schumacher
Una mujer recién divorciada y sus dos hijos se mudan a la aparentemente tranquila localidad costera de Santa Carla. Pronto, una serie de acontecimientos desvelan que la ciudad es un nido de vampiros, y mientras el hijo menor se dedica a tratar de enfrentarse con ellos, el hijo mayor se verá seducido por los encantos de una hermosa vampira.

Producida por Richard Donner (director de La Profecía, Lady Halcón o Arma letal) y dirigida por el habitualmente no demasiado inspirado Joel Schumacher (de cuya filmografía deberíamos salvar Línea mortal, Asesinato en 8 mm. y la película aquí comentada), Jóvenes ocultos supuso un vuelco a la visión tradicional de los vampiros adaptándolos a los tiempos modernos como una banda de jóvenes motorizados con más éxito que algunos intentos anteriores y posteriores (Noche de miedo, Buffy, la cazavampiros, Mordiscos peligrosos, etc...) y a la altura de películas como las excelentes El ansia o la no menos brillante Los viajeros de la noche, aunque atacando el tema desde un ángulo distinto (menos “serio”, más “informal”) sin que por ello pierda interés.
Quizás queda lastrada en un revisionado por su estética muy “años 80”, pero el guión es excelente, los diálogos rápidos y eficaces (salvo algún chiste demasiado fácil) y las diversas tramas que se encadenan mantienen el interés del espectador: el intento de la banda de vampiros liderados por un inquietante Kiefer Sutherland para que el hermano mayor (interpretado por Jason Patric) se convierta en uno de ellos y los primeros “síntomas” de un incipiente vampirismo, la relación entre unos caza-vampiros adolescentes (divertida interpretación del habitualmente desaprovechado Corey Feldman, estrella adolescente en películas como Los Goonies o Cuenta conmigo y actualmente perdido en los abismos de las estrellas juveniles que han crecido) y el hermano menor (interpretado por otra de las estrellas juveniles de los 80, Corey Haim), los intentos de adaptarse a su nueva vida de la madre encarnada por la siempre eficaz Dianne Wiest, etcétera...
Cabe destacar a la actriz Jami Gertz, muy de moda en los 80 y ahora prácticamente desaparecida, que aquí realiza uno de sus mejores papeles como la frágil vampira que seduce a Jason Patric (y de paso a los espectadores).
Original visión del tema del vampirismo, divertida, emocionante y a ratos terrorífica, cuenta con una excelente fotografía y una banda sonora algo superior a la habitual en los films de los 80, donde destaca la versión del clásico de The Doors "People are strange" (muy apropiada) y del "Don´t let the sun goes down on me" de Elton John, aquí con un evidente doble sentido.
Para aficionados al mito de los vampiros que quieran ver algo distinto de la típica figura del conde Drácula en su castillo de Transilvania.
Escenas
* El impactante inicio, con un hábil uso de cámaras subjetivas.
* La carrera de motos entre Kiefer Sutherland y Jason Patric, emocionante y con un magnífico e impactante plano aéreo que nos desvela el destino final de la carrera.
* La escena de los preparativos para el enfrentamiento final con los vampiros, sobre todo cuando llenan las cantimploras de agua bendita en mitad de un bautizo ante el asombro de cura e invitados.

EL SILENCIOSO KEVIN

2005-11-17T16:50:00.000-08:00

KEVIN PATRICK SMITH
1970 - Nueva Jersey, USA

Tanto creía aquel joven de Red Bank (Nueva Jersey) en su película que llegó a vender su alma al diablo para conseguir pagarla. Bueno, casi su alma: Kevin Patrick Smith (2 de agosto de 1970) vendió su colección de comics, se endeudó hasta las cejas e hipotecó la herencia familiar… todo con el objetivo de reunir 27.575 dólares, el dinero suficiente para rodar Clerks, una películita en blanco y negro en la que reflejaba su experiencia como dependiente de un mini-market (el mismo en el que rodó), sazonada con toneladas de referencias hacia los cómics y las películas de culto. Clerks (1994) llamó la atención de Miramax, la filial de Disney dedicada al cine independiente, que compró y distribuyó el filme. Smith logró recuperar el dinero y, lo que es más importante, su colección de tebeos, además de ganarse la devoción de un buen número de espectadores. En Mallrats (1995), su homenaje a las películas de adolescentes dirigidas por John Hughes, contó con la colaboración de un buen número de dibujantes por entonces desconocidos, ahora consagrados, y con la inigualable presencia de Stan Lee. Su confesada pasión por los cómics sirvió para que los ejecutivos de Warner le contrataran para escribir Superman Lives, guión del que cortaron una escena de sexo entre el Hombre de Acero y Lois Lane que transcurría sobre el monte Rushmore. Smith protestó enérgicamente, aduciendo que la escena contenía el mejor diálogo de todo el script. De poco sirvieron sus quejas, ya que su trabajo acabaría rechazado por el director Tim Burton, quien nunca conseguiría rodar la película. De nuevo en las tareas de dirección, Persiguiendo a Amy (1997) retomaba su relación con el mundo de la historieta, esta vez con ayuda de Mike Allred, el dibujante de X-Statix. Las películas de Kevin Smith formaban ya parte de la filmografía indispensable de todo aficionado al cómic que se precie, siempre a la caza de los más insospechados guiños hacia el noveno arte. Las grandes editoriales comenzaron a rifarse sus servicios, pero fue Marvel quien se llevó el gato al agua. Joe Quesada, por entonces director de la línea Marvel Knights, le convenció para que escribiera los ocho primeros números de la nueva etapa de Daredevil, que Quesada también dibujaría. Por primera vez en su historia, la serie del Hombre sin Miedo conseguía situarse entre los tebeos más vendidos, además de alcanzar la aclamación de los lectores. Smith se destapaba así como un excepcional conocedor de los mecanismos que hacen funcionar a los tebeos, con diálogos tan ágiles, divertidos e irreverentes como los de sus películas, con acción, humor, épica y momentos dramáticos. El volumen recopilatorio contaba con el profético prólogo de su amigo Ben Affleck, fan irredento de Daredevil y que acabaría interpretándolo en el largometraje de Mark Steven Johnson (2003), donde el mismo Smith hacía una pequeña aparición bajo el nombre de Jack Kirby. La realización de Dogma (1998) y Jay y Bob el Silencioso Contraatacan (2001) le dejó todavía tiempo para adaptar a la viñeta sus propias películas, producir la serie de animación de Clerks y relanzar a linterna Verde, uno de sus personajes favoritos. Gran amigo de Joe Quesada, el actual Director Editorial de Marvel, Smith dio el campanazo en la San Diego Comic Con de 2001, evento en el que anunció su debut como guionista tanto de la serie limitada que tienes en las manos (Spiderman/Gata Negra: El mal que hacen los hombres - Forum) como de un nuevo título regular de Spiderman. Kevin Smith, que nunca firma sus películas con el típico “A Kevin Smith filme”, ya que juzga que la cinta pertenece a todos los que han participado en ella y no sólo al director, compagina en la actualidad la producción de Jersey Girl, su próximo largometraje, con los guiones de la anunciada serie de Spider-Man, y con la educación de su hija Harley Quinn (bautizada así en homenaje a la villana de Batman) e incluso todavía tiene un ratito para estar con su mujer Jennifer Schwalbach, irse de copas con Quesada y Cía., leer su ración mensual de comics, o pasarse por las oficinas de View Askew, su productora, y por la tienda de cómics que inauguró en Red Bank, la ciudad donde todavía vive. Kevin jura y perjura que ha crecido y ha madurado, pero todos sabemos que miente.

POLONIA

2005-11-17T16:44:00.000-08:00

“Primero hay que saber sufrir, después partir y luego andar sin pensamiento...” desafina, en un vagón de la línea Roca, un chico de la calle a quien –por su afición a cantar ese superclásico que es “Naranjo en flor”– todos conocen como “El polaquito”. No conforme con errar obstinadamente la línea melódica, el pibe sobreactúa innecesariamente su papel de cantor de tren, haciendo gestos y abriendo los brazos con desmesura, hasta el punto de resultar cargoso y molesto para el resto del pasaje. Su imitación no le rinde el menor honor al modelo, y otro tanto podría decirse de la película que lo contiene. En su voluntad de mimetizarse con las zonas más sórdidas de la realidad urbana, El polaquito no hace más que desafinar, por muy buenas intenciones que se hayan puesto en el asunto.
Elemental en lo dramático, feísta en lo visual y por debajo del standard en términos de realización, la nueva película del veterano Juan Carlos Desanzo (en cuya carrera, un film meritorio como Eva Perón va quedando cada vez más aislado) se basa en un caso real y transcurre casi íntegramente en Constitución, tanto en trenes como en la estación o los alrededores. Recordando a más de un protagonista de las películas de Leonardo Favio (bajo cuyas órdenes Desanzo se desempeñó como director de fotografía, en Juan Moreira), los ojos muy abiertos y la corta edad del Polaquito (Abel Ayala, verdadero chico de la calle) lo hacen aparecer como un cándido habitante de la marginalidad.
Lo poco que El Polaquito recauda con sus imitaciones debe rendírselo al capanga que lo administra, un tipo tan temible como patético a quien llaman El Rengo (un transpirado Roly Serrano). Sin la menor experiencia sexual, El Polaquito resultará flechado por La Pelu (Marina Glezer), joven prostituta que también trabaja para El Rengo. Entre El Polaquito y La Pelu surgirá lo que en este contexto podría llamarse una historia de amor. Más precisamente, un triángulo amoroso y sexual cuyo tercer vértice lo constituye El Vieja, que a diferencia de su amigo se mueve como pez en el agua en el duro ambiente de la calle (Fernando Roa). Cuando El Polaquito quiera plantarse frente al Rengo, éste hará sentir su poder, que incluye alianzas con la policía de la zona y terminará en un martirologio en el que se evoca, sin más, al mismísimo Jesucristo en la cruz.
De esa clase de metáforas no precisamente sutiles está hecha El polaquito, una de esas películas en las que todo se muestra, se dice y se ilustra. Así como cada aparición amenazante del Rengo se ve amplificada por una guitarra eléctrica que aúlla a todo volumen, si hay una violación se verá al violado con la cola al aire. Y si alguien se hace pis de miedo, después de oírse el “pssss” la cámara irá en busca del charquito. En medio de este panorama resulta loable el esfuerzo de los actores, aunque el chico Ayala alterna soltura con alguna que otra hesitación. A su lado, eltambién debutante Fernando Roa maneja con gran fluidez la jerga rea, mientras Marina Glezer (ganadora del premio a Mejor Actriz en el Festival de Montreal) aporta convicción y ductilidad a una Pelu tan castigada por la vida como por la película misma.

Sarah Polley , amo la manera en que actuas....

2005-11-09T16:22:00.000-08:00

Sarah Polley es una de mis tantas actrices de las cuales me he kedado anodadado , tanto por su belleza simple y natural , y su caracter al actuar .
La directora de 'Mi vida sin mí', la catalana Isabel Coixet, escuchó llorar a 50 actrices antes de decidirse por Sarah Polley, una ex niña prodigio canadiense, musa del cine independiente de su tierra y del del otro lado de la frontera. En Polley, Coixet vio a su Ann, la joven feliz, la madre de dos preciosas pequeñas, que planea sentir nuevas experiencias en los tres meses de plazo que el cáncer le concede. La actriz había leído el guión en una noche de insomnio y sintió el deseo de ser la protagonista. Se reunió con la directora delante de varias rebanadas de pan con mantequilla y una sopa de cebolla. No tuvo que rogar, ni siquiera convencer a su interlocutora de sus virtudes. Coixet le espetó muy pronto que el papel era suyo.
Su aspecto dulce, frágil y su belleza enmascaran a la verdadera Sarah Polley. Una chica de 25 años recién cumplidos conocida por ser una ardiente militante pacifista, una auténtica jaqueca para el Gobierno canadiense de derechas. Llegó a perder un diente en una manifestación y se tomó un tiempo sábatico para denunciar los recortes sociales y la 'americanización' que estaba sufriendo su tierra. ¿Falsa pose de artista que quiere salir en los papeles? No parece. La chica en cuestión apenas cumplía los 15 cuando se presentó en una entrega de premios con el símbolo de la paz como colgante en el cuello. Bush padre disputaba por aquel entonces el primer cara a cara con Sadam Husein. Disney, para quien trabajaba, le echó un buen rapapolvo.
Sarah Polley es hija de los actores Dianne y Michael Polley. Su madre fallecería de cáncer cuando Sarah tan sólo tenía once años de edad. Sería Dianne la encargada de iniciar la carrera de su hija, cuando logró que fuese elegida para actuar en "One magic Christmas" (1985), un título producido por Disney. Más tarde intervinó en Mano de oro (1987), un melodrama de Ben Bolt interpretado por Matt Dillon y Diane Lane, y Blue Monkey (1987, título de terror dirigido por William Fruet. Sarah conseguiría popularidad en Canadá gracias a su protagonismo en las series de televisión "Ramona" (1988) y "Road to Avonlea" (1989). Antes de terminar la década apareció en la pantalla grande con Uma Thurman ( ), con quien guarda cierto parecido, en "Las aventuras del Barón Munchausen" (1989), fantasía dirigida por Terry Gilliam. A partir de su adolescencia, Sarah abandonó sus estudios y se involucró en la política canadiense, simpatizando con ideas izquierdistas y apoyando al Partido Democrático Socialista. Su carrera cinematográfica consiguió relanzarse gracias a sus colaboraciones con el director Atom Egoyan. Tras un papel secundario en "Exótica" (1994), Sarah lograría llamar la atención de la crítica y público con su interpretación en "Dulce porvenir" (1997). Con posteriodidad, y trabajando basicamente en producciones independientes, protagonizaría filmes como "The Hanging Garden" (1997), Jerry y Tom (1998), Guinevere (1999), ExistenZ (1999), "El perdón" (2000), Mi vida sin mí (2003) o Amanecer de los muertos (2003).

Pelis disponibles en cualquier videclub:
One Magic Christmas (1985) Mano de oro (1987) Blue Monkey (1987) PrettyKill (1987) Las aventuras del Barón Munchausen (1989) Babar en la selva (1989) Exótica (1994) Children first (1996) Joe´s so mean to Josephine (1996) The ganging garden (1997) The planet of Junior Garden (1997) El dulce porvenir (1997) Jerry y Tom (1998) Last time (1998) Guinevere (1998) ExistenZ (1999) The life before this (1999) Viviendo sin límites (1999) Love come down (2000) The law of enclosures (2000) El perdón (2000) No such Thing (2001) Mi vida sin mí (2003) El despertar (2003) Amanecer de los muertos (2003) La vida secreta de las palabras (2005)

El Almodovar Francés

2005-11-02T14:26:00.000-08:00

La verdad es que la manera de la cual conocí aFrançois Ozon fue por medio del gusto personal que le tengo a una mujer Virginie Ledoyen(8 mujeres),(la francesa exquisita que dejaba desorbitado a Leonardo Di Caprio en La Playa).
Intentar comentar acerca de la filmografía de François Ozon es una tarea tan interesante como ardua, en virtud de lo heterogéneo de sus producciones. Algo similar a lo que ocurre por ejemplo con Todd Haynes, director capaz de realizar un film descarnado como “Safe”, de retratar el surgimiento y el apogeo del glam rock de los setenta en una de las mejores películas que se hayan visto, “Velvet Goldmine”, o de homenajear a los melodramas de Douglas Sirk como hizo notablemente en su última producción “Lejos del Paraíso”. En ambos, lo más homogéneo que encontramos tiene que ver con los (buenos) resultados de sus películas.
Ozon se hizo conocido en Chile cuando se estrenó “Gotas que Caen Sobre Rocas Calientes”, ambiciosa adaptación de una casi desconocida obra teatral de Rainer Fassbinder, primera efectuada por un director francés, film claustrofóbico, provocador, marginal. Allí, Franz y Leopold entablan una relación amorosa que comienza por la seducción de este último (un hombre maduro, frente a la juventud de Franz), hasta que consigue su misión; a partir de allí lo que vemos son las relaciones de poder entre ellos, las demandas de afecto y consideración de Franz, y el desinterés de Leopold, aburrido quizás por haber llegado a su meta. “Gotas...” tiene ese mezcla de patetismo melodramático con un humor sórdido, molesto, combinación que llega a su máxima expresión cuando bailan de manera coreográfica un tema de Rafaela Carrá. Es esa escena precisamente la que marca un quiebre –otro- en el lenguaje empleado hasta allí; aunque, claro, mantiene el clima de interpelación constante al espectador sobre lo que llega desde la pantalla. Franz recibe la visita de su novia (Ludivigne Sagnier, actriz fetiche del director, quien pasa de ingenua niña enamorada de su novio inexperto, a la femme fatale que destila erotismo alrededor de (“La Piscina”), mientras que Leopold la de Vera, extraño personaje que por amor se sometió a una operación de cambio de sexo, sin que esto fuera suficiente para conservar el amor de su prometido. Si todo esto a alguien le parece un disparate insostenible cae en un grave error: las situaciones son insostenibles, y llegan al límite, pero aquí no hay ningún disparate... son situaciones cotidianas (¿quién no sufrió las dificultades de la vida en pareja?) vividas por personajes en desdicha con identidades mutables, persiguiendo un amor que paradójicamente hacen parecer inexistente.
"Gotas que Caen Sobre Rocas Calientes"
A “Gotas...” le siguió “Bajo la Arena”, cuarto largometraje en la carrera de un joven director nacido en París hace apenas 37 años. Esta vez las escenas se desarrollan en una paradisíaca playa desierta en Francia, lugar al que llegan Marie y Jean, un matrimonio que orilla los sesenta. La cámara toma el trayecto en auto de la ciudad a las afueras, mostrando a través de plano y contraplano los diferentes ejes, y cómo alternan las posiciones dentro del coche. Todo esto acompañado de un silencio que denota un entendimiento superlativo, rutinario, un conocimiento de muchos años de relación en una díada que nunca se vio alterada por la llegada de los hijos.
Jean y Marie van a disfrutar de la playa; él le dice que va a darse un chapuzón, y ella se recuesta por unos minutos. Cuando despierta, Jean no está más. Desapareció. No hay rastros de él por donde se los busque, y no habrá nunca certezas de su destino a lo largo de todo el film. Ozon comentó alguna vez que se inspiró en el caso de los desaparecidos en la última dictadura militar de nuestro país para describir la situación y la reacción de Marie, quien tiene que enfrentar el mundo después de muchos años (algo así como veinticinco de matrimonio) sencillamente sola. Y se dedicó a mostrar a Marie alucinando la presencia de su esposo, hablando de él en tiempo presente, y hasta comprándole corbatas. La locura desafía a la muerte, y lo hace hasta el último plano de un film oscuro, precioso.
La responsabilidad de esta composición cayó sobre Charlotte Rampling, y hay que sacarse el sombrero ante una actuación que difícilmente pueda ser olvidada por cualquiera que haya visto el film. Luminosa y radiante, capaz de transmitir emociones genuinas en cada escena, en cada gesto... Sufrimos con ella, sonreímos cuando ella lo hace, y la acompañamos en esta forzada huída de su rutina: ya no hay cena con fideos para dos, ni una cama ocupada en ambas mitades. La ausencia marca el ritmo del film y es a la vez el motor de Marie en esta sucesión de desventuras a las que tiene que hacer frente.
Los quiebres en la narración son, vaya paradoja, una constante en la filmografía de Ozon. En “Bajo la Arena” no se traducen en coreografías entre los actores, sino a través de la introducción del personaje de la madre de Jean, a quien Marie va a visitar luego de lo sucedido. Este personaje, aterrador, dirá algo que como espectadores podemos intuir pero nunca aceptar: Jean se aburría con Marie, y además “no le había dado hijos”. La empatía con la protagonista es tal que nos sumamos a su negación y no aceptamos una hipótesis como esa; la aborrecemos, no nos resignamos a pensarlo, queremos suponer que a Jean se lo llevó el mar por su impericia. Ozon nos da esa libertad, y la Rampling casi nos lo exige.

"8 Mujeres"
Ahora bien, si en las dos primeras películas con las que conocimos a este director observamos una gran austeridad en lo que a producción se refiere, nada de ello ocurre en su siguiente largometraje, “8 Mujeres”. Aquí Ozon lleva al pico máximo su fascinación por el inspirador género femenino, y lo hace reuniendo a las grandes actrices de varias generaciones del cine francés: el cartel lo comparten nada menos que Fanny Ardant, Catherine Deneuve, Emanuelle Beart, Isabelle Huppert, y Ludivigne Sagnier, entre otras. De las muy solitarias playas en las que Marie perdió a Jane volvemos al encierro, esta vez en una mansión parisina, no ya en un departamento como el que vio la tortuosa relación de Leopold y Franz. Todo el glamour que destilan estas mujeres se esparce por una enorme casa ambientada en los años 50, primer homenaje a los melodramas de aquella época como la genial “Imitación de la Vida”, de Douglas Sirk, y nuevo punto de contacto con un director tan particular como el citado Todd Haynes.
Comentan en su país que François Ozon es homosexual y que tiene una debilidad por la exaltación del genero femenino. El primer detalle es tan trivial que podría haber estado ausente en este recorrido; el segundo es fundamental, y si la puesta en escena de “Bajo La Arena” permitía emparentar a Charlotte Rampling con la representación más pura de la belleza, ello está exacerbado en “8 Mujeres”. El film está único y enteramente interpretado por mujeres. El relato gira en torno a un crimen, y aunque se acerca tanto al policial como al melodrama, nunca abandona los toques de comedia, rasgo que a las películas de Ozon le sienta muy bien.
La intención de convocar público a como dé lugar por encima de ofrecer productos de calidad que además inviten a la reflexión y a la interpelación con los espectadores que antes citamos fue el blanco de las críticas que arreciaron sobre la producción, y sobre su director quien dejó de lado cualquier ahorro de recursos de producción, aunque no de ideas y posibilidades de lecturas sobre su obra. Los films sobre mujeres –y éste junto a “La Piscina” son los máximos exponentes dentro de la filmografía de Ozon- permiten vislumbrar un interjuego entre el papel que los convencionalismos sociales le otorgan al género femenino, y que con mayor o menor resistencia fue aceptado por ellas, y ese espíritu libertario que florece en su interior y que da cuenta de sus verdaderas necesidades. En el plano sexual, donde Ozon se siente como pez en el agua, deja florecer el lesbianismo entre Gaby y Pierrette (¡Fanny Ardant y Catherine Deneuve!), y permite el comportamiento reo, desafiante, y extremadamente sensual de la prostituta Julie, en su obra de reciente estreno en nuestro país. Esta dialéctica posibilita un diálogo constante entre dos representaciones de lo femenino, una aceptada y la otra condenada, una exigida y la otra censurada, ambas debatiéndose un lugar en su discurrir existencial. Ozon las aísla para permitirles fluir... las lleva a una apartada mansión en las afueras de París, o a una bella casa con pileta en un pueblito francés, para permitirles en la interacción una libertad que lógicamente ofrece grandes resistencias para entregarse.
No deja de ser otro misterio en la carrera de un director prolífico, provocador y talentoso. El papel de sus mujeres es una intriga tan grande como los sentimientos de Vera, el paradero de Jean, las intenciones de las glamorosas mujeres y su relación con el crimen, o la fuente de inspiración que Julie representa para la escritora Sara Morton... ella misma sentencia en “La Piscina” algo que bien podríamos pensar de François Ozon: “cuando una persona te oculta una parte de su vida resulta algo fascinante... y aterrador”. Cualquier relación entre esta frase y su filmografía tengan por seguro que no es ninguna coincidencia.

Vean cine , les hace bien.....
Renton.

Keira no es tan inaccesible

2005-10-31T19:37:00.000-08:00

Al mirar la foto , la mayoria pensara que se trata alguna modelo de Vogue , de Cosmpolitan , o alguna de esas revistas , photoshopeadas al mas puro estilo de las cirujias de los medicos de Nip Tuck .NO. Es belleza sin arreglos , sin maquillaje , ella es hermosamente natural , es :Keira Knightley .
Ustedes la podran recordar por el exquisito papel que hace en Piratas del Caribe como la doncella por la cual Orlando "legolas"Bloom luchaba , o como una futbolista inglesa amiga de una pakistaní en la cinta , "Bend like it Beckham"(En la cual por cierto , ni el barro ni el pasto la hacen verse desagradable ).Dotada de una belleza hermosa , un cuerpo delgado de modelo , y un impecable carácter al actuar , (fijese el papel que realiza en Domino , su nueva cinta ) en la cual no tiene problemas al verse sucia , con pocos aspectos femeninos y sexies como los que podrian pedir las chicas sexies y mimadas de Hollywood a sus guionistas , por lo ke podriamos intuir cual es la razon: "Es Inglesa".
Ella solo tiene 21 años , cercano a mi edad , tiene los gustos de un joven de 21 - 22 , escucha la mismas bandas ke yo , Coldplay , Blur , The Smiths , fanatica de los Depeche , en fin , es alguien kon la ke podrias hablar sin problemas ,le gusta el helado de tres leches, en fin , viendolo desde ese punto de vista , Keira no es tan inaccesible .

Peliculas disponibles de ella , en cualquier VIDEOCLUB :

King Arthur (2004) .... Guinevere... aka King Arthur: Director's Cut (USA: DVD title (director's cut))
Love Actually (2003) .... Juliet
Pirates of the Caribbean (2003) (VG) (voice) .... Narrator
Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl (2003) .... Elizabeth Swann
Gaijin (2003) (V) (voice) .... Kate
The Seasons Alter (2002) .... Helena
"Doctor Zhivago" (2002) (mini) TV Series .... Lara Antipova (neé Guishar)
New Year's Eve (2002) .... Leah
Pure (2002) .... Louise
Thunderpants (2002) .... Music School Student... aka Donderbroek (Netherlands) ... aka Incroyable histoire de Patrick Smash, L' (France)
Bend It Like Beckham (2002) .... Juliette 'Jules' Paxton... aka Kick It Like Beckham (Germany)
The Hole (2001) .... Frances 'Frankie' Almond Smith... aka After the Hole (USA)
Princess of Thieves (2001) (TV) .... Gwyn
Deflation (2001) .... Jogger
"Oliver Twist" (1999) (mini) TV Series (as Kiera Knightley) .... Rose Fleming
Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999) .... Sabé (queen's decoy)... aka Star Wars I: The Phantom Menace (USA: video box title) ... aka The Phantom Menace (USA: short title)
Coming Home (1998) (TV) .... Young Judith... aka Heimkehr (Germany) ... aka Rosamunde Pilcher - Heimkehr (Germany)
Treasure Seekers (1996) (TV) .... The Princess
Innocent Lies (1995) .... Young Celia... aka Péchés mortels, Les (France)
A Village Affair (1994) .... Natasha Jordan
Royal Celebration (1993

ALTA CONSECUENCIA

2005-10-31T11:11:00.000-08:00

Alta Fidelidad , año 2000 , Estados Unidos
Dirigida por Stephen Frears, con John Cusack, Jack Black, Lisa Bonet, Joelle Carter, Iben Hjejle, Joan Cusack.
Después de su desempeño en ¿Quieres ser John Malkovich?, John Cusack sintió que no tenía ya nada que demostrar, y decidió darse un gusto personal. Su amor por los viejos discos LP de música pop de los años '60 y '70, hoy llamados vinilos, lo impulsó a filmar con Disney la novela del inglés Nick Hornby (de discreto éxito en su país). Para hacerlo convocó a Stephen Frears, quien lo había dirigido en Ambiciones prohibidas.
Cusack encarna a Rob, el dueño de una disquería en Chicago, quien junto a sus empleados, más adictos aun que él, ha levantado un templo a su música de culto, un lugar de peregrinaje para los fans. La película exuda amor al coleccionismo. Pero sus catálogos no se circunscriben a la música de los '70: Rob tiene los "Top 5" para todo, incluyendo a sus relaciones amorosas. Como tantas veces ocurre, cuando su novia Laura (Iben Hjejle) lo abandona, él empieza a valorar lo que tuvo y dejó ir sin darse cuenta. Por eso, la película empieza con la revisión de un fenómeno recurrente en su vida: el abandono. Es así como se articula una historia romántica con el coleccionismo musical. Rob pasa revista a los cinco fracasos más contundentes de su historia sentimental, en una serie de escenas graciosas que ironizan con humor cáustico sobre el orgullo masculino, a la vez que intenta, ansiosamente, rehacer su pareja en crisis. Para Rob este es un momento de inflexión, el de hacerse cargo de que es un hombre adulto. Y cuando está listo para asumir un compromiso, cambia: de coleccionista pasa a ser empresario. De música, por supuesto.
John Cusack colaboró en el guión, coprodujo, protagonizó, ubicó a la historia en su ciudad, Chicago, reservó para su hermana Joan un rol secundario (no es la primera vez que trabajan juntos en un film), y otros para amigos y parientes más lejanos. Por si ese protagonismo no fuera suficiente, Rob/Cusack narra su historia a la cámara, interrumpe a cada momento la acción para intercalar sus comentarios y está siempre en pantalla, más egocéntrico aun que el mismísimo Woody. Este (cansador) monólogo a cámara remite al origen literario de la película. Y el recuerdo de Allen no termina allí; es inevitable toda vez que se exponen las desdichas del varón americano.
Más importante que la historia es la impecable galería de personajes: muy graciosos Jack Black y Todd Louiso como los opuestos empleados de la tienda, Black no sólo domina las escenas en que actúa, sino que también sabe cantar. Joan Cusack vuelve a demostrar que es una excelente comediante, en un rol que reitera: la querible amiga de la chica, como aquélla que hizo en Secretaria ejecutiva y Detrás de las noticias, y sigue esperando que le confíen un rol a la medida de sus posibilidades. Más suerte tuvo la coprotagonista, aunque su performance no está a la altura de las de sus compañeros: ella es Iben Hjejle, la actriz que vimos estos días en Secretos de familia, en una curiosa extrapolación del Dogma danés a Hollywood. Parece que allí ya comprobaron que sirve para la comedia romántica, ojalá no abusen de ella. Tim Robbins hace la sátira del hombre new age en un cameo que sería olvidable si no participara de una de las escenas más divertidas.
La ironía recae sobre la visión y la psicología masculina, jugando peligrosamente en el borde del machismo. Pero las pequeñas miserias del protagonista no permiten trasponerlo. Las mujeres de Rob (además de Hjejle, Lily Taylor, Lisa Bonet, Catherine Zeta-Jones) son la otra versión de su historia, y si bien no se analiza con la misma intensidad la mirada femenina, vemos en ellas parecida desorientación existencial.
La película especula bastante con la identificación que pueda provocar en el público masculino de treinta y pico, y corre el consiguiente riesgo de volverse ajena para quienes no participen de las preocupaciones del protagonista. Pero todo coleccionista, y no sólo de discos, se verá identificado cuando Rob explique que él puede ordenar su inmensa discoteca cronológicamente, según el momento de adquisición, porque cada objeto está cargado de historia.
Rob es capaz de vivir a través de sus discos, de relacionar cada aspecto de su vida con un tema musical, y hasta pide ayuda al propio Bruce Springsteen, quien lo aconseja en su debacle sentimental. Esta insistencia en el aspecto musical del film puede cansar a los no iniciados. La banda de sonido, obviamente, es riquísima: Velvet Underground, Stevie Wonder, The Kinks, Elton John y The Roots se cruzan con Aretha Franklin, Belle and Sebastian ,Sy Smith, Harry Nilsson, Love, Jackie Wilson y tantos otros.
Una de tantas peliculas favoritas en mi lista , por el hecho de pasarme algo parecido en mi vida , el tener una lista de mis temas y discos favoritos para las etapas de mi vida , en fin , una buena pelicula.
pd:Esta en todos los video clubes , traten de arrendarla en dvd , tiene opciones extras imperdibles

Tiempo de analizar

2005-10-30T20:18:00.000-08:00

Tiempo de matar

A Time to Kill
John Grisham es un filón. Sus novelas de ambiente judicial han encandilado a tantos lectores que su paso al cine, si se hace con un mínimo de calidad, tiene asegurada la rentabilidad. En Hollywood, lo saben; véanse, si no, La tapadera, El informe Pelícano o El cliente. Grisham, consciente de su creciente poder en la industria fílmica, se ha reservado el visto bueno a director, guionista y reparto de Tiempo de matar, adaptación de su primera novela, muy querida por él, con recuerdos del Sur donde se crió y de los años en que ejerció la abogacía.
Una niña negra es brutalmente violada y maltratada por dos blancos cargados de alcohol. Cuando van al juicio, Carl Lee, el padre de la pequeña, dispara a bocajarro sobre ellos ante numerosos testigos. Aunque todo apunta a que le ha movido la venganza —la hija ha quedado estéril, los culpables podrían recibir un castigo benigno—, Jake Brigance, un joven abogado blanco, tratará de probar enajenación mental transitoria. El caso despierta enseguida los conflictos raciales: organización de un violento grupo del Ku Kux Klan, entrada en liza de la NAACP —una de las principales asociaciones pro derechos de los afroamericanos—, selección de un jurado integrado sólo por blancos...
Joel Schumacher y Akiva Goldsman adaptan de nuevo novela de Grisham tras El cliente. Ambos presentan un caso donde sitúan, frente a frente, las fallas de un sistema legal y el deseo de tomarse la justicia por su mano; y se coloca al espectador en situación de juzgarlo, haciendo notar el posible peso del color de la piel del acusado, a la hora de tomar postura. Aunque no se justifica la venganza, sí que se disculpa; y se obvia la posibilidad de perdonar. Una visión que se puede tachar de simplista —la vida es más compleja de lo que allí aparece—, pero que produce resultados vistosos, en la mejor tradición del thriller de letrados. Hay momentos vibrantes y el interés por la narración se mantiene siempre.
El reparto es envidiable, de esos que ponen los dientes largos: Sandra Bullock, Donald y Kiefer Sutherland, Samuel L. Jackson, Kevin Spacey, Brenda Fricker, Oliver Platt, Patrick McGoohan... Muchos son pequeños papeles, pero de fuerte presencia. Destaca sin duda el desconocido Matthew McConaughey, que logra una magnífica composición en su primer papel principal para el cine.
La fotografía de Peter Menzies está muy cuidada; los tonos dorados, con imágenes casi quemadas, ayudan a recrear el calor asfixiante del verano sureño en que transcurre la acción. La opción de rodar gran parte del film con steadycam, arriesgada, ayuda a hacer presente aún más el ambiente tenso y crispado que rodea al juicio. Está bien resuelta la secuencia inicial de la violación de la niña. Sin caer en el morbo de mostrarla, se sugiere de modo impactante con planos de las cuerdas que atan a la chiquilla y una cámara subjetiva, a ras de suelo, que ve a los dos hombres, bestias salvajes, que la atacan. J.M.A.
Director: Joel Schumacher. Intérpretes: Matthew McConaughey (Jake Brigance), Samuel L. Jackson (Carl Lee Hailey), Sandra Bullock (Ellen Roark), Kevin Spacey (Rufus Buckley), Brenda Fricker (Ethel Twitty), Oliver Platt (Harry Rex Vonner), Charles S. Dutton (Ozzie), Ashley Judd (Carla), Patrick McGoohan (Omar Noose), Donald Sutherland (Lucien Wilbanks), Kiefer Sutherland (Freddie Cobb). País: Estados Unidos. Año: 1996. Producción: Arnon Milchan, Michael Nathanson, Hunt Lowry y John Grisham, para Arnan Milchan Productions. Presentada por: Warner Bros. en asociación con Regency Entertainment. Argumento: La novela homónima de John Grisham. Editorial: Planeta (castellano), Bell (inglés). Guión: Akiva Goldsman. Música: Elliot Goldenthal. B.S.O: Atlantic Classics. Fotografía: Peter Menzies Jr. Dirección artística: Larry Fulton. Montaje: William Steinkamp. Internet: http://www.timetokill.com Estreno en Madrid: 27-IX-96 (Albufera, Aluche, Coliseum, Ideal, Luchana, Luna, Novedades, Roxy B, Tívoli, Vaguada). Distribuidora cine: Warner. Distribuidora vídeo: Warner. Duración: 144 minutos. Género: Drama policiaco-judicial. Premios principales: Nominación al Globo de Oro 1996 al mejor actor secundario (Samuel L. Jackson). Público apropiado: Jóvenes. Contenidos específicos: V D-.

Almost Famous...

2005-10-29T13:07:00.000-07:00

Blue jean baby, L.A. lady, seamstress for the bandPretty eyed, pirate smile, you'll marry a music manBallerina, you must have seen her dancing in the sandAnd now she's in me, always with me, tiny dancer in my handJesus freaks out in the streetHanding tickets out for GodTurning back she just laughsThe boulevard is not that badPiano man he makes his standIn the auditoriumLooking on she sings the songsThe words she knows, the tune she humsBut oh how it feels so realLying here with no one nearOnly you and you can't hear meWhen I say softly, slowlyHold me closer tiny dancerCount the headlights on the highwayLay me down in sheets of linenyou had a busy day todayBlue jean baby, L.A. lady, seamstress for the bandPretty eyed, pirate smile, you'll marry a music manBallerina, you must have seen her dancing in the sandAnd now she's in me, always with me, tiny dancer in my hand

Es un tema muy lindo que aparece en la pelicula Casi Famosos , de Elton Jhon , bueno uqe les puedo decir , es una pelicula uqe cuando la vi , me marco ,y es una cinta a la cual cada vez que la dan , (a pesar de tenerla en dvd) la veo , en fin , veanla , del director Cameron Crowe , es una autobiografia de el mismo , en sus tiempos de adolescencia cuando buscaba una columna para Rolling Stone , es del año 2000 , y tiene estupendas actuaciones , especialmente la de Kate Hudson , que le valio una nominacion al oscar de la academia com mejor actriz de reparto , tambien Anna Paquin(Rogue de x-men) que ya posee un Oscar , por la Leccion de Piano m, en conclusion , vean cine , les hace bien

La Television me gusta pero me disgusta...

2005-10-27T11:31:00.000-07:00

Cuando era pequeño fui un telemaniatico de tomo y lomo , pero lo era en ese tiempo de que era fanatico de Super Magnetron , El galactico , y muchos otros capitulos del show de los robots ,,como olvidar mis tiempos en qeu veia los supersonicos , los imposibles , he-man , los thundercats , en fin cuando la razon por que estabas pegada al televisor era por ver algo entretenido , no algo patetico como ocurre ahora , solo intimidad de los "famosos" , solo cahuin , si parece que sqp es la personificacion de las viejas metiches de barrio , en fin , no me gusta , me quedo y doy gracia a la television con que crecí ,.
En fin , les digo a la generacion que tiene 22 , 23 , ke crecimos con estos dibujos animados y todo el mundo de la television de aquellos tiempos , que puedes en¡contrar en miles de tiendas , dvds y peliculas de monitos de antaño , veanla , les hace bien , la nostalgia hace bien ...

Chau

Bienvenido a este mundo

2005-10-26T14:07:00.000-07:00

La verdad es que no se como llegue a esto , en serio ,la verdad es que no soy un informatico , no se mucho de pc , ni tampoco un internetomaniaco pero el poder expresar lo que piensa o contar anecdotas de la vida cotidiana e intrecambiar comentario con gente que nunca has visto lo encontre chori , bakan , y no por sentirme atras de la civilizacion cibernetica lo hice , de hecho , lei en el diario acerca de esto , en fin , comienzo a disfrutar de mi nueva adquisicion , escribiendo esto ,Disfruten su oportunidad a opinar y de que los demas sepan lo que piensan.